Columna de Opinión.

LA DIGNIFICACIÓN DEL ARTISTA COMO DEUDA PENDIENTE

Por: Trinidad Pacheco Bayona. 

En Ocaña, la Escuela de Bellas Artes siempre ha sido un referente cultural, un espacio donde generaciones enteras han encontrado un lugar para crear, aprender y transformar su sensibilidad. Sin embargo, con el paso del tiempo, sigue siendo doloroso escuchar voces de auxilio provenientes de quienes hacen posible que las artes respiren en la región: sus artistas, docentes, estudiantes y trabajadores culturales. La reciente convocatoria para Matilda, el musical reaviva un debate que, lejos de agotarse, necesita ser abordado con seriedad y responsabilidad institucional.

Si bien el proyecto generó entusiasmo en algunos sectores, también dejó al descubierto tensiones internas que ponen en riesgo el bienestar de los participantes. Diversos artistas vinculados al proceso han expresado inconformidades relacionadas con el ambiente de los ensayos, señalando prácticas que consideran inadecuadas para un proceso formativo y creativo: gritos, trato impulsivo, expresiones que interpretan como descalificadoras y una metodología que no responde a los principios pedagógicos que un montaje de esta envergadura exige. Estas percepciones, más allá de nombres propios, merecen ser escuchadas por la Universidad Francisco de Paula Santander Ocaña, porque afectan la calidad del proceso y la dignidad de quienes ponen su talento al servicio de la escena.

La dirección artística de cualquier producción requiere, además de conocimientos técnicos, una sensibilidad humana capaz de acompañar, orientar y potenciar las capacidades del elenco. El arte no se construye desde la humillación ni desde la imposición temperamental, sino desde la paciencia, la escucha y la pedagogía. La región cuenta con artistas de trayectoria, dedicación y compromiso, es fundamental que los espacios institucionales que los convocan garanticen ambientes respetuosos, seguros y coherentes con los valores que desean representar ante el público.

Mi intención al escribir estas líneas no es señalar ni destruir, sino invitar a la reflexión: la dignificación del artista no es un lujo, es una necesidad ética. Ocaña tiene un potencial inmenso en sus creadores, pero ese potencial solo florece cuando los procesos están bien acompañados, cuando se reconoce el valor del trabajo artístico y cuando las metodologías aplicadas fortalecen, en lugar de quebrar la confianza del grupo.

Que esta situación sirva como una oportunidad de mejora. Que la institución revise, escuche, dialogue y ajuste. Que los responsables de dirigir proyectos artísticos comprendan la enorme responsabilidad que implica orientarlos. Y que los artistas, estudiantes y docentes encuentren escenarios donde el respeto, la formación y la inspiración sean la base del trabajo diario.

Porque el arte dignifica, pero también debe ser digno. Solo así podremos seguir avanzando, aprendiendo y construyendo una escena cultural que honre a quienes la sostienen con su esfuerzo silencioso y su talento inmenso

COLUMNA DE OPINIÓN: EL MUSICAL DE BELLAS ARTES Y LA FARSA DE LA CONVOCATORIA VICIADA

Por: Azucena Rueda Delgado.

Ocaña, Una vez más, la Escuela de Bellas Artes de Ocaña inicia su nueva administración con el pie izquierdo, y no precisamente en un paso de baile, sino en un traspié institucional que evidencia desconocimiento, improvisación y, lo que es peor, una flagrante falta de respeto hacia quienes han construido con esfuerzo, rigor y pasión la tradición del teatro musical en esta ciudad.

La reciente convocatoria para el musical de fin de año 2025 —cuyo enunció reza: “¿Tienes una historia que necesita ser contada? ¿has escrito o dirigido teatro musical?” — no solo es ambigua, sino profundamente excluyente. Presuponga, sin decirlo, que solo cuentan quienes tienen historias inéditas y experiencia formal en escritura o dirección de musicales. ¿Y qué pasa con los actores, los músicos, los coreógrafos, los diseñadores, los productores? ¿Acaso el teatro musical es solo obra de escritores y directores? ¿Dónde quedó la esencia colectiva del arte escénico?

Pero el problema no es solo de redacción. Es de fondo. En Colombia, el teatro musical es un campo escaso, cultivado por pocos valientes que han apostado por un género complejo y exigente. Nombres como María Isabel Murillo , Juan Carlos Mazo (director de El Bolero de Rubén y Cabaret ), Pedro Salazar ( La Tiendita del Horror ), Iván Carvajal ( Sweeney Todd ), y la nueva generación encabezada por Leonardo Palacios y Felipe Sánchez , son referentes nacionales. En Ocaña, sin embargo solo hay un nombre que ha sostenido este género con constancia, rigor y amor: Juan Carlos Vergel Mogollon, artista empírico que durante diez años fundó, dirigió y consolidó el musical anual de la Escuela de Bellas Artes, convirtiéndolo en un proceso de aprendizaje vivo, comunitario y transformador.

Los demás intentos —cuando han existido— han sido lánguidos, precarios, improvisados. Y ahora, en lugar de fortalecer esa tradición, se lanza una convocatoria que ignora la historia, que desconoce el trabajo previo, y que parece diseñada para justificar decisiones ya tomadas bajo la mesa.

Y aquí aparece el personaje central de esta tragicomedia administrativa: Cristian Puentes, director que llegó a Ocaña “de la nada”, según se dice, con ínfulas de “argentino criollo” ¿será porteño o llanero disfrazado?, y cuya misión parece ser más la de “dárselas a Omar” —quien, por cierto, arrastra sus propios fantasmas de bailarín frustrado y director de una academia que solo existe en su imaginación— que la de servir a la comunidad artística.

Señor Puentes: esto no es un juego. No es una tienda de barrio que usted administra a su antojo. La Escuela de Bellas Artes es un espacio público, patrimonio cultural de Ocaña, y debe ser gestionada con transparencia, respeto y conocimiento. No puede usted, con una convocatoria mal redactada y peor intencionada, marginar a artistas que han presentado propuestas fundamentadas, con trayectorias académicas sólidas algunos incluso con maestrías en el exterior, para imponer criterios personales, caprichosos o, peor aún, políticos.

El teatro musical no se construye con arrogancia ni con improvisación. Se construye con memoria, con oficio, con comunidad. Y si usted no entiende eso, tal vez debería apartarse del escenario antes de que la obra se le venga encima y con ella, el rechazo de quienes sí aman y entendemos el arte.

La cultura no se administra como un puesto de arepas. Se cuida, se nutre, se respeta. Y Ocaña, sus artistas y su historia, merecen mucho más que esto.

SALAZAR DE LAS PALMAS, PLANIFICAR NO ES OPCIONAL, ES UNA OBLIGACIÓN MORAL Y LEGAL.

Por: Trinidad Pacheco Bayona.

Por años, Salazar de las Palmas ha sido bendecido con dos joyas que pocos municipios poseen: la pureza de sus ríos y la devoción profunda a su Virgen. Un binomio que bien gestionado podría sostener un modelo de turismo ordenado seguro y sostenible. Sin embargo, la realidad muestra que hemos vivido más de la ilusión que de la planificación.

La reciente tragedia que cobró la vida de cinco personas, entre ellas una madre y su hija tras la creciente súbita de un río, no puede ser entendida como un accidente aislado. Es el resultado de una cadena de omisiones que se han repetido administración tras administración. Desde hace años expertos, líderes comunitarios y personas que amamos este municipio hemos insistido en la urgencia de elaborar un plan integral de cultura y turismo que contemple además de la promoción, la protección de la vida y del patrimonio natural.

No se trata solo de atraer visitantes para las fiestas religiosas o para un paseo dominical a la orilla del río. El turismo sin reglas claras y sin gestión del riesgo es un turismo peligroso. La falta de señalización en zonas de riesgo, la inexistencia de un sistema de alerta temprana, la ausencia de guías capacitados y la desarticulación entre las autoridades locales y los organismos de socorro han dejado a visitantes y pobladores a merced de la suerte.

La belleza natural y la fe son tesoros, pero también responsabilidades. Y es ahí donde las administraciones municipales, tanto pasadas como la actual, han fallado. No basta con embellecer las calles para las fiestas patronales; se requiere invertir en monitoreo de ríos, capacitación de personal, ordenamiento territorial, rutas seguras y, sobre todo, una cultura ciudadana de prevención.

La tragedia del río debería marcar un antes y un después para Salazar de las Palmas. No podemos permitir que, dentro de algunos años estemos escribiendo otra columna con los mismos argumentos y las mismas lágrimas. El turismo, cuando se gestiona con visión y responsabilidad, puede ser motor de desarrollo; pero cuando se deja al azar, puede convertirse en una sentencia de muerte.

La vida de cinco personas debería ser el último recordatorio de que planificar no es opcional, es una obligación moral y legal. Salazar merece un futuro en el que la belleza de sus ríos y la devoción a su Virgen se vivan con alegría y seguridad, no con miedo y luto.

 

UNA SOLA DANZA NO REPRESENTA A TODO NORTE DE SANTANDER

Por: Trinidad Pacheco Bayona.

Hablar de una identidad cultural única en Norte de Santander es un error tan común como preocupante. Este departamento, conformado por 40 municipios, 108 corregimientos y numerosos caseríos, es un mosaico de culturas, tradiciones y expresiones que no pueden reducirse a una sola manifestación artística, especialmente cuando se trata de la danza.

Es frecuente escuchar, incluso por parte de algunos directores de danza en la ciudad de Cúcuta, que el bambuco zapateado representa la identidad dancística de todo el departamento. Esta afirmación, aunque seguramente bien intencionada, no solo es imprecisa, sino que desconoce la realidad cultural de regiones como Ocaña y el Catatumbo, donde, durante mis años de trabajo como educador en danza, no he presenciado ni una sola representación de bambuco zapateado en eventos culturales locales.

Este tipo de generalizaciones invisibiliza las tradiciones propias de cada territorio, y contribuye a una visión centralista que borra la riqueza y diversidad cultural de nuestro departamento. No podemos caer en el error de imponer una identidad única, porque hacerlo es negar las múltiples formas en que los nortesantandereanos sienten, bailan y celebran su herencia.

Vale la pena reconocer en este contexto, el trabajo del maestro Juan Becerra, quien en su época universitaria presentó una valiosa propuesta sobre el bambuco zapateado como parte de su tesis. Su aporte es significativo, pero debe entenderse como una propuesta local o regional, no como una verdad universal para todo Norte de Santander.

Con este artículo no pretendo deslegitimar ninguna expresión dancística. Por el contrario, quiero hacer un llamado al respeto y al reconocimiento de nuestra pluralidad cultural. Solo a través del diálogo, la escucha y la inclusión podremos construir una identidad regional que honre las particularidades de cada rincón de nuestro territorio.

Norte de Santander no tiene una sola danza, tiene muchas. Y todas merecen ser vistas, valoradas y preservadas.

¿CELEBRAMOS EL DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA CON CONCIENCIA O DESCONOCIMIENTO?

Por: Trinidad Pacheco Bayona.

Cuando celebramos el día internacional de la Danza, una fecha que nos invita a reflexionar sobre este arte universal que conecta culturas, emociones y cuerpos en movimiento. Sin embargo, me pregunto: ¿los directores del territorio en Ocaña, una tierra con más de 454 años de historia y tradición, tienen siquiera un mínimo conocimiento sobre los fundamentos que todo creador de danza debería dominar? ¿Están conscientes de lo que implica trabajar con esta disciplina artística tan compleja y rica?

La danza no es solo movimiento; es un lenguaje que exige preparación, sensibilidad y conocimiento profundo. Un verdadero creador de danza debe tener claros varios parámetros esenciales para poder construir propuestas auténticas y respetuosas con las raíces culturales de su entorno. Veamos algunos de ellos: La danza no existe en el vacío. Cada paso, cada gesto está profundamente arraigado en un contexto cultural e histórico específico. En Ocaña, por ejemplo, deberíamos preguntarnos: ¿valoramos nuestra herencia indígena, africana y mestiza en nuestras expresiones dancísticas? ¿Sabemos distinguir entre danza como arte y baile como expresión social? Desde el ballet clásico hasta las danzas folclóricas regionales, cada género tiene sus propias reglas y técnicas. ¿Los líderes culturales de Ocaña conocen estas diferencias? ¿Apoyan iniciativas que promuevan tanto la técnica como la innovación?

El cuerpo es el instrumento principal del bailarín, y cuidarlo es fundamental. ¿Existe algún programa en la región que enseñe anatomía aplicada a la danza? ¿Se fomenta la preparación física adecuada para evitar lesiones?
La relación entre el cuerpo y el espacio es clave en la danza. Una buena coreografía no es solo una secuencia de pasos, sino una narrativa visual que comunica emociones e ideas. ¿En Ocaña se apoya la creación de coreografías originales que cuenten nuestras historias locales? La danza también es espectáculo. La iluminación, el vestuario, la música y otros elementos escénicos juegan un papel crucial. ¿Nuestros espacios culturales están equipados para ofrecer presentaciones de calidad? Este día debería ser una oportunidad para cuestionarnos: ¿qué estamos haciendo para fortalecer la danza en nuestra región? ¿Existen programas educativos, festivales o talleres que promuevan esta disciplina? Y ara reflexionar:

¿Valoramos la danza como una forma de preservar nuestra identidad cultural? ¿Qué hacemos para garantizar que las nuevas generaciones tengan acceso a formación dancística de calidad? ¿Cómo podemos integrar la danza como parte esencial del desarrollo cultural y turístico de Ocaña?

En un territorio como Ocaña, donde la historia y la tradición son pilares de nuestra identidad, la danza debería ser un faro que ilumine nuestro camino hacia el reconocimiento cultural. Sin embargo, parece que aún falta mucho por hacer. Nosotros como directores y líderes del territorio debemos asumir un rol activo en la promoción y el fortalecimiento de esta disciplina. No basta con aplaudir en una celebración anual; debemos trabajar durante todo el año para que la danza ocupe el lugar que merece en nuestra sociedad.

Este Día Internacional de la Danza debe ser un llamado de atención: celebremos sí, pero con conciencia y compromiso. La danza no es un lujo, es una necesidad humana que nos conecta con lo más profundo profundo de nosotros mismos y de nuestras raíces. ¿Estamos listos para asumir ese reto?

LA DANZA COMO UN DIÁLOGO ENTRE LO TANGIBLE Y LO ETÉREO

Por: Trinidad Pacheco Bayona.

El texto de Noel Bonilla Chongo nos invita a reflexionar sobre uno de los dilemas más profundos de la danza: su dualidad inherente. Por un lado, está la cosificación, esa necesidad de capturarla, de convertirla en algo tangible, documentable, histórico. Por el otro, su esencia efímera, esa actualización continua que escapa a las ataduras del tiempo y el espacio, desafiando cualquier intento de encasillarla o preservarla. En este vaivén entre lo material y lo inmaterial, la danza se revela como un lenguaje vivo, mutable e insondable, tal como lo expresara Martha Graham al definirla como "el lenguaje oculto del alma".

La danza no puede ser reducida a una mera manifestación artística; es mucho más que eso. Es un territorio donde convergen tiempo y espacio, memoria y cuerpo, pasión y rigor. Pero, ¿cómo equilibrar estas dimensiones? ¿Cómo reconciliar la necesidad humana de analizar, historiar y teorizar con la naturaleza intrínsecamente fugaz de la danza? Bonilla Chongo plantea esta pregunta sin ofrecer una respuesta definitiva, porque tal vez no exista una. Sin embargo, esta ambigüedad no debe verse como una limitación, sino como una invitación a explorar lo desconocido.

En nuestra cultura y pensamiento coreográficos, solemos caer en la tentación de cosificar la danza. Queremos atraparla en videos, fotos, partituras o descripciones académicas, como si al hacerlo pudiéramos asegurar su permanencia. Pero la danza no vive en estos registros; vive en el instante, en el movimiento que nace y muere en cada respiración del intérprete. Es ahí donde reside su poder transformador, en su capacidad de actualizar constantemente nuevas realidades, de reinventarse en cada ejecución.

Por otro lado, la idea de que tiempo y espacio deben transitar como líneas "movibles, negociables, cambiantes" nos recuerda que la danza no está sujeta a reglas fijas. No existe un solo modo correcto de bailar, ni un solo significado para un gesto. Cada cuerpo, cada contexto, cada momento trae consigo una interpretación única. Así, la danza se convierte en un acto de descubrimiento perpetuo, tanto para el bailarín como para el espectador.

Sin embargo, este carácter efímero también plantea un reto: ¿cómo preservar la memoria de la danza sin traicionar su esencia? Aquí entra en juego el concepto de "documento", mencionado por Bonilla Chongo. Un documento no tiene que ser algo estático; puede ser una huella viviente, una resonancia que perdura en quienes experimentan la danza. La memoria de la danza no está solo en los archivos, sino en los cuerpos que la practican y en los corazones que la sienten.

Finalmente, la frase de Graham resuena como un recordatorio de que la danza trasciende lo físico. Es un puente hacia lo espiritual, hacia aquello que no podemos nombrar pero que sentimos profundamente. En un mundo obsesionado con lo medible y lo cuantificable, la danza nos invita a abrazar la incertidumbre, a celebrar lo que no puede ser contenido ni explicado del todo.

La danza no es ni puramente cosa ni puramente espíritu; es ambas cosas y ninguna a la vez. Su magia radica precisamente en esta tensión, en su capacidad de desafiar nuestras categorías y expandir nuestros horizontes. Tal vez nunca encontremos "el punto justo" entre cosificación y actualización, pero quizás ese sea el propósito: seguir buscando, seguir bailando, seguir siendo.

LA CAMPIÑA. LA DISCOTECA QUE MARCÓ UNA ÉPOCA EN SALAZAR DE LAS PALMAS

Por: Trinidad Pacheco Bayona.

En los años 90, cuando el Norte de Santander aún era un territorio donde lo ancestral y lo moderno se encontraban en un equilibrio casi mágico, Salazar de las Palmas brillaba con su belleza arquitectónica colonial y su exuberante naturaleza. Era un lugar donde las montañas parecían abrazar a los pueblos, los ríos cantaban melodías eternas y las calles guardaban historias de generaciones. Pero fue también en este contexto idílico donde nació un espacio que cambiaría para siempre las noches de los habitantes del pueblo: La Campiña, una discoteca familiar que se convirtió en el epicentro de la diversión sana y los encuentros inolvidables.

Ubicada en una vieja casa de amplios patios y salones con techos altos, La Campiña no era solo un lugar para bailar. Era un refugio donde las familias habían compartido risas y conversaciones durante décadas, pero que, gracias a la visión de Trino Torres Gamboa, Junior, se transformó en el escenario perfecto para disfrutar de los ritmos más vibrantes de la época. Desde República Dominicana llegaban los merengues pegajosos que hacían mover los pies hasta el amanecer; desde Puerto Rico, las bachatas románticas que encendían corazones; desde Cali, la salsa que invitaba a perderse en el vaivén de sus compases; y desde Valledupar, por supuesto, los acordeones y voces emblemáticas del vallenato que eran parte del ADN cultural de la región.

Cada fin de semana, después de la misa de las 7:00 pm, los jóvenes y adultos se preparaban para vivir una experiencia única. Los hombres sacaban sus mejores camisas, impecablemente planchadas, mientras las mujeres lucían vestidos ajustados y peinados elaborados. Los ahorros de toda la semana se destinaban a esos dos días de encuentro, donde no solo se bailaba, sino que también se tejían historias de amor y amistad. En La Campiña, entre luces tenues y sonidos envolventes, muchas parejas dieron sus primeros pasos juntos, y muchos corazones latieron al ritmo de una canción especial.

El ambiente era único. Las mesas dispuestas en los patios exteriores permitían conversaciones animadas, mientras que las salas interiores se llenaban de cuerpos moviéndose al son de los acetatos que sus propietarios traían con esmero. Cada vinilo era una joya musical, cuidadosamente seleccionada para garantizar que la noche fuera memorable. No había espacio para la monotonía: una pieza de Juan Luis Guerra podía dar paso a una interpretación apasionada de Joe Arroyo, y luego el público se entregaba completamente a los clásicos de Diomedes Díaz o el Binomio e Oro.

Pero La Campiña no era solo música y baile. Era un lugar donde las personas se reencontraban consigo mismas y con los demás. Era el sitio donde primos lejanos se volvían amigos cercanos, donde las tímidas ganaban confianza al ser invitados a bailar, y donde los sueños adolescentes se iluminaban bajo las estrellas. Era, en definitiva, un punto de conexión entre lo cotidiano y lo extraordinario, entre lo simple y lo mágico.

Con el tiempo, como ocurre con todas las cosas, La Campiña dejó de ser el lugar que una vez fue. Sin embargo, su legado permanece vivo en los recuerdos de quienes tuvieron la suerte de experimentar aquellas noches inolvidables. Hoy, cuando se menciona su nombre en Salazar de las Palmas, los ojos de los lugareños se iluminan, y las historias fluyen tan naturalmente como el agua de los ríos que rodean el pueblo. Porque La Campiña no fue solo una discoteca; Fue un símbolo de alegría, comunidad y cultura en una época dorada que sigue resonando en el corazón de quienes la vivieron.

Así, entre notas musicales y pisadas de baile, esta crónica rinde homenaje a un lugar que, aunque ya no existe básicamente, vive para siempre en la memoria colectiva de un pueblo que supo disfrutar de lo mejor que tenía para ofrecer.